韦德国际1946手机版|韦德娱乐1946网页版|官网入口
做最好的网站
您的位置:韦德国际1946手机版 > 韦德娱乐1946网页版 > 怎样画国画,中国画的核心价值观到底是什么

怎样画国画,中国画的核心价值观到底是什么

2019-11-04 04:23

对于中国画教育,我认为不管是传统的“师徒相承”,或是美术学院的规模教育,都要首先弄清中国画的核心价值体系是什么。在此之后,我们才能谈美术教育的改革问题。 相比西方大师如达·芬奇、伦勃朗的素描中对对象惟妙惟肖的刻画,中国画对物质性的描述是不及他们的,由此上世纪初一些老先生提出要改革中国画。但是,这并不是中国画的本源。我曾经看过一幅画,是用油画再现马远的《踏歌图》,“形”一点没有走样,但却丝毫无法让人感动,我以为这是因为其中缺少了中国画用笔的“争与让”、“虚与实”。其实笔墨的“争让”反映的是画家对人对自然的生命态度,既然是生命态度,也就有一个层次问题,也就是我们常说的“境界”。它是观者读画的一个进入点。上面这个小例子,已经开始涉及到中国画核心价值观这个大问题了。 中国画家看到的世界虽然很复杂,但人与自然、人与物、人与人都存在着各种关系,如何达到一种和谐,就是一个“争让”的问题。比如画树,前面的树用笔简单一点,后面的树密一点,疏密相间,它的关系就形成了;再比如画山,大小石块相间,前后左右的关系就区分出来。表现山的高耸雄浑,在手法上中国画不用“尺度”衡量,而用“云烟锁其腰”,更显巧妙。所以中国画在表现大自然复杂关系的时候,讲究的不是视觉规律,而是用笔墨的虚实相衬来调动人的情绪,要调动的是读者内心的认同感,具体用的手法就是“相间法”——以大小相间、疏密相间等手法表达“争让”观,反映生命态度。这样一来,中国画中就诞生了无穷无尽的“笔墨状态”。比如董其昌,大家都觉得董其昌的画形式感很强,其实他用的就是“相间法”:无数的浓淡、疏密、大小色块之间的关系,营造出虚和实;山是实、云是虚,虚实之间就把引起情绪变化的因素提炼了出来,东方文化的智慧在绘画上的反映也正在此处。另一个需要强调的问题是,当代有很多画家不重视国画基础画法,一味的追求观念表现、个性表达,也说明他们对中国画的理解较为浅薄。中国画的最高法则是相间法则,它用“相间”法则形成的“虚实关系”揭示得是最复杂的生命状态与生命层次。我们甚至可以从画面的笔墨表达的争让程度看出画家正处在怎样的生命境界上。 既然中国画能够运用笔墨状态揭示生命体的内心状态,那么这个画种一定是能生存、且与时俱进的。因为人的内心状态在各个时代是不同的,其审美状态和所崇尚的东西也会发生变化。 再回到我们的美术教学上,无论是传统师承还是学院教学,都仍处于一个较乱的阶段,因为很多老师或多或少存有西画的造形理念,不明白中国画的核心价值观,更不明白由这个核心价值观要求下产生的核心技法的表达方式,对于中国画的理解和认识还处于一种中西都是同样造形手段的模糊状态,拿什么去传授给学生呢?所以很多时候我们的教育症结,正在于缺乏明理、明道的老师。我很幸运,在求学阶段碰到了导师童中焘。他是一位“明师”。在技法上,他的要求很严格,但是在明理重道的方面,他的要求则更高。有明理、明道的老师的话,求学者就能少走弯路,更不会误入歧途。 中国画所说的“意境”其实是“心识之境”,每个人的“心识之境”是不同的,画家的表达和观者的感应也是不同的。比如《溪山行旅图》,最初一看的感觉是庄严和雄浑,能激起观者内心的“正能量”和乐观积极的生命追求,但再往深理解,仁者见仁,智者见智。然而,中国画的“心识之境”不是靠西方那一套精确的造型观、明暗法则确立的,但现在几乎所有的美术院校在安排课程时都将其作为主要造形手法,让中国画家用这种造型手法去表现对象的物质性,结果就是中国画高度的丧失。最基本的中国画临摹,如果没有明白画理的老师指导,那么我们的学生所谓的“临摹”,不在“临”,只在“摹”。只是拷贝宋人画作之“形”,对于精微的体格、精妙的用笔、复杂的笔墨关系都没能理解,此时的临摹就成了工匠行为,唯一的好处就是体会一点描成山体、树体的快感,但这却是大量的美院学生日复一日正在做的功课。 因此,我们现有的教学模式离中国画的核心观念还很远,包括对书法的漠视。结果造成国画学生对国画工具的把握存在很大问题,因为书法能力弱,对笔的把控也弱,更无法表现出毛笔中浓淡枯湿的变化。中国画里毛笔、宣纸、墨的特性都会随着纸上的浓淡枯湿的变化,被注入画家生命的状态,要达到这种境界绝不是一朝一夕的事。拿山水画举例,我们画山石,怎么去了解笔墨的组构?首先要借“他山之石”去琢磨古人的石法,所以中国画特别强调临摹。但是很可惜,学生由于画理不明,不能对临经典名作,我们现在的临摹课就成了走过场,课上完了,学生交上来的作业,不是对临出来的,是先拷贝出形体,然后把墨色填上去,画的大样出来了,但学生的绘画能力没有得到提高,那这个现象是怎么造成的呢?归根结底是对中国画不自信。 从上个世纪开始,对中国画的改革、创新的声音不绝于耳,直至今日,很多人仍然在未能理解中国画的核心价值观,也不懂中国画的核心技法的情况下,总想要改变它。如今很多迹象已表明,一味的改革、创新中国画,已经越来越丢弃它的根本——笔墨。笔墨是根据时代在不断变化的,但万变不离其宗——它所跟随的是不同时代的人,它所具载的是不同的人性。我以为中国画对生命的基本需求是不会变的,是 “画贵静气”,这和我们的养生之道是一样的。中国人对生命的认识与西方的有所不同,禅宗讲“禅定”,认为生命在静的时候能量是最大的,生命的思考、领悟能力是最强的,因此要常常“静思”。所以中国画并不提倡阴暗的、怪诞的笔墨方式,如《早春图》,表现的是早春复苏的山岚、滋润的树木,唤醒人们对生命的热爱和向往。 认识到中国画的核心价值观后,那么什么是中国画的核心技法呢?我们教学就是要教学生中国画的笔墨和基本画法。但“画法”不是用笔技巧,“勾、皴、擦、染、点”只有和形体产生联系时,才被称为“画法”。这是一个“理”的问题,比如,一个“个字点”不能随意点,要点成一棵树,需要画家的精心排序、组合,这就是“理”,我们称之为“画法”,这才是中国画法的学习。现在我们的学习者在这一问题上大打折扣。美院的国画课程主要是临摹、写生、创作三大块,临摹成了拷贝,写生又受西方绘画观影响很大。经典绘画的范式都没有“背出”,要去写生,哪来的感觉?《荀子·劝学》中说“君子生非异也,善假于物也”,只有先记住了不同类别的经典之作,才有可能开创自己的画风。但现在很多人都是凭感觉在画,勾勒没有紧要处,虚实也不去注意,表达情绪的深度和高度会缺失很多。不敬畏经典之作,没有传承之心,盲目谈创新,这就是现在我们学习者的状态,可以想象这种学习态度最终只会导致粗野画作的出现。 中国画的传承应该从画理入手,由理入道,进入内心状态,但在如今的师承关系中,明理、明道的老师太少了,导致“师承”堕入了下下层。时代在快速发展,我们的教学内容势必要跟上时代。然而,在没弄清中国画的核心价值观的情况下,很多的院校都在教学理念上往创新方向走,那么师资也就随着这个方向来,学生年纪尚小,也犯迷糊,老师怎么说就怎么学。这样看来,中国画教育的前程着实堪忧。

中国画不是技术而是一门艺术,应该看重它的艺术性而不是技术性。画面虽然离不开技术,但是用技术性的东西来等同艺术性是不对的。技术性的东西解决不了艺术创作中的根本问题,所以大家在品读一张画的时候,要多看其中艺术家的修养与艺术感觉,而不能简单地由技术性的东西去推论一张画的好坏。这是尤其值得注意的。

问题:怎样画国画?

中国画像所有的艺术形式一样,当然也需要变革,因为时代在变化,“笔墨当随时代”。但是,中国画的变革应该是一种渐变,它不会出现西方那种与现代主义有关的颠覆性变革。但是每个时代对于艺术的标准是不一样的,每个时代对于“大师”的概念也会不一样,你要是把齐白石的作品拿到宋朝去,那时的人也会接受不了。

回答:

仙鹤为什么上了松树

我是书画及文史杂谈,一名国画爱好者。关于怎样画国画这个问题,我可以跟大家分享我的一些经验,希望能帮到大家。

有一位鸟类专家说,,仙鹤是生活在沼泽地的,历代国画家往往把仙鹤画在松树上是不符合自然规律的。我以为,当自然真实与艺术规律发生矛盾时,画家们往往服从艺术规律。例如,小说里有猪八戒、孙悟空,你在生活里哪能找到这样的人物?但人们都认可,因为这是典型的艺术形象。历代画家们习惯把仙鹤画在松树上,表达延年益寿的寓意。这与汉字的造字法有异曲同工之妙。仙鹤与松树的结合也是一种会意。汉字与国画的相通由此可见一斑。过去有个老艺人画仙鹤,往往画得并不完全符合解剖,但姿态却很美,颇可参考。

图片 1

自然科学的一套,在他那个领域,可能得100分,生搬硬套到艺术领域,尤其是国画领域可能只能得0分了。

国画是我国的四大国粹之一,已有几千年的历史,在发展的过程中产生和形成了丰富多彩画种和技法。国画按技法分为工笔画、小写意画、大写意或泼彩画。

存钱与取款

下面就以上几种技法,按临摹和创作具体画法进行讲解:

国画讲究“师造化”,用现在的话来说就是要写生,要出去画速写,这就好比是到银行存钱,到创作时就好比是取款。平时不存钱,不积累,到紧要关节时只能干瞪眼,即使勉强画出来,也必然十分苍白。失血的东西总是难有生命力的。我今年已经90岁,之所以还能画,还能出作品,没别的,就是因为当年舍得存钱,舍得坚持不断地存钱。没有当年的写生的功底,没有当年速写的锤炼,现在脑子里一片空白,那就连赊账的地方都没有了。

一、工笔画

喝牛奶不会长犄角

1.临摹画法:选好临本,仔细读画,先从构图,再到所临对象的神态,画面各部分线条的笔法及色彩进行分析,并了然一心。下一步开始画底稿,用软铅笔放大尺将临本放大至原画大小到底稿纸上,对比修改后,用浓淡墨勾线定稿。然后将底稿拷贝到熟宣纸上,此时可直接用线描笔按原画笔法和浓淡勾勒线条,完成后就进行着色, 具体步骤按老师或临画指导说明进行,上色完成后还要对比原画进行最后的调整完成临画。

艺术需要适当夸张。京剧里的脸谱就是夸张的,你在现实生活中哪里找这样的一张脸呢?但也要有个“档”(哲学上叫做“度”)。打个比方,喝牛奶不限量,作用只是强身健体,不能长出犄角来,成了怪物,那就要不得了。驴子的耳朵可以适当画长一点,但你如果画得短了,那就成了另外一种动物——骡子了。

图片 2

下笔快好还是慢好

2.创作画法:创作画法就是省掉临摹技法中的读画及放大底稿步骤 ,改为直接构思,画草稿,再到定底稿,然后拷贝画稿,最后上色调整完成创作。

可染先生多次跟我谈到行笔过快是画家大忌,是江湖气。我作为他的老学生,不敢苟同。我认为作画的好怀(水平的高低),与用笔的快慢没有关系。用笔慢的固然不乏大家,如黄宾虹、齐白石……用笔快的大家也不少,如任伯年、傅抱石、胡佩衡、萧谦中等。可染先生是属于用笔慢的一路,他反对行笔过快是理所当然的,因为他不是理论家。画家总有自己的“偏见”,而这种偏见正是画家自己的特殊风格的指导思想,不足为怪。

图片 3

为了吃饭与为了取乐

二、写意画(含大小写意、泼彩画)

可染先生认为必须把与文人画同时存在的那些“作家画”与匠人画一起比较看才能说清楚。文人画作者是文人(不像现在有的新文人画的作者,自己并无半点学问)这是不用辩解的。文人当然有学问,有修养。对比看一下那画,“行活”(即匠人画)的匠人(俗称花匠)却是没有什么修养,甚至是文盲。文人作画是为了取乐,如同下棋、钓鱼一样;匠人则不然,他们画画是为了吃饭。文人们画画为了消遣,是乐于干,匠人们为了生活不得不干,岂可同日而语?在文人与匠人之外还有一批画画的专业画家(如以画为生的一大批专业画家、皇家的宫廷供奉画家),这些人也是以画为业的,他们与文人不同的是技术熟练(多方面修养不如文人),以画为主。这三种人之间的界限除匠人与文人界限清晰外,文人与那些专业画家有时不太好分。

1.临摹画法:选好临本,首先读画,将画面构图,所临对象的神态,笔墨构成熟记于心。然后,用木炭条将画面各对象的大概位置对比确定下来,然后,调墨提笔按临本对象结构和笔墨顺序依次画出,写意画临摹最讲究用笔用墨及气势,所以尽量画前要读画,做的了然一心,落笔一气呵成,不要计较绝对准确,只要大致结构、笔墨和气势一致就可以了。

巧与拙

图片 4

“拙”和“巧”虽然是两个完全相反的概念,但在艺术创作和艺术作品里,二者却是既矛盾又统一地结合在一起。这就是人们常说的“巧拙互用”。“巧”的作品,往往失之于小巧玲珑的小家气,如果参之以“拙”,那么就可取得“巧而不小(小家气)”的效果。“拙”的作品,如果一味地用“拙”,恐怕也很难成为艺术。因此在“拙”的作品里也必然结合着巧的成分。如上面说过的齐白石大师的凝重、浑拙的墨笔中雏鸡里的泼墨法,巧妙地表达出了小鸡的毛茸茸的质感,谁又能说这不是巧呢?

2.创作画法:写意画的创作不同于工笔画,特别是大写意画落笔后无法修改,所以在落笔前先要精心构思,并用木炭条将所绘对象大概位置在宣纸上标注好,酝酿好情绪,有创作冲动时落笔,一气呵成中间最好不要停顿,画完后进行简单调整就可完成。如出现错误,只能将错就错或者作废重画。

到底应如何理解“拙”呢?从书法上(包括绘画的用笔)看,那就是所谓“生”;从绘画上看,那就是所谓“不似之似”或“似与不似之间”的“不似”的一面。“生”,不是真正的生,是熟后的“生”,是用来防止“油”、“滑”、“庸俗”的生。这个“生”就是“拙”字的同义语。绘画上的“不似之似”的“不似”一面,只是一种手段,最后是要似的——也就是“神似”。这里所说的“不似”,在很多情况下正是这个“拙”字。由此可见,在艺术创作上,人们不满足于熟,熟了还要返“生”;不满足似,似了还要“不似”,也不满足于巧,在巧之外还要求“拙”。

图片 5

用眼睛看画

以上只是简单讲解,如有疑问,可在评论区留言或私信沟通。

搞艺术要有主见,不要随风倒,要坚信自己所走的路。同时不要迷信任何人,每个成名的画家,都有两重性,有优有劣,具体的作品,要作具体分析,不要盲从,要用眼睛看画,不要用耳朵看画。你认为不好的作品,也要看,耐住性子看下去,也能从中学到些什么。同时也要向学生学习,也能从学生的作品中,发现自己所不知或从中获得启发,只要虚心,总会有所收获的,教学相长,就是这个道理吧!

回答:

“学陈”、“知陈”才能出新

先了解什么是国画,之后选择哪一个流派,之后就是临摹。请名师指点。

努力学习古代花鸟画的优秀传统,强调笔墨技法的强化训练,主张“渊源有自”与“有所传承”。认为“推陈出新”的前提是“学陈”、“知陈”,一定要懂得传统技法和中国画论画理知识,才能继承并弘扬传统中的优秀成分。如果拒绝古人,另起炉灶,不仅是愚蠢可笑的,而且必然沦为无知的胆大妄为,所谓“胡涂乱抹,信手乱来”者也。

图片 6

中国画是学问,也是功夫,不能熟练地画出几种鸟,配当画家吗?如同京剧名角,总得有几出拿手戏。中国艺术里离不开“重复”,中国画的笔墨技巧是在重复中演进的。如读唐诗,能背诵了,也就会吟诗了、赋诗了。学有传统,要“挑肥拣瘦”、“取其精华”,在传统上稳扎稳打,反对“在一夜之间摇身一变,另起炉灶”。风格乃作者品性、经历、好尚、修养、学识、技巧的总和。风格应该水到渠成,自然形成。

回答:

绘画就是处理各种关系

首先说一下,这个问题问的太笼统了!一般人问也只是针对某一种技法,比如说画云、画山这样的很具体,但是题主这个问题就不知道怎么回答了,范围太大了。。。

什么“关系”,就是相反相成的辩证法的关系。神与形就是主观与客观矛盾统一的关系。笔墨中用笔的轻重、快慢、转折、提按、往来、顺逆……是关系,用墨的浓淡、干湿也是关系,设色中浓淡、冷暖、厚薄、清浑也是关系。又如构图中的宾主、虚实、开合、争让、疏密、聚散、多少、有无、高低、俯仰、上下、左右、阴阳、向背、纵横、繁简……也更是“关系”,造型上的巧与拙、写实与写意、惟妙惟肖与不似之似也应称作是关系问题。总之,一幅画的绘制过程,无非是处理各种关系的过程。

想要学国画,首先你要先明白什么是国画,国画是咱们中国独有的绘画技法(周边国家都是学咱们的,所以不带上他们),已经有了千百年的历史了,主要是以毛笔、水墨、宣纸(也有纺织物)为工具进行的绘画,其中多以文人画为主。
图片 7

不可没轻没重

细分起来主要为两大类:工笔和写意!其中又包含山水、人物、花鸟、草虫、建筑这几个!

轻重关系在构图中占很重要地位。在同一个构图中,轻与重是相互发生的,相互对比的。构图最忌“平”,“平”就是没轻没重。例如一鸟一石的构图,可以鸟重石轻,也可以石重鸟轻,切不可轻重不分。

想学习国画,最好先从基础开始,有一本神书叫《芥子园画谱》,里面几本涵盖了历朝历代各大家的国画精髓。还有就是对国画文化有一些了解,不能乱画,里面有很多讲究。
图片 8

六法中关于构图的一条叫“经营位置”。既云“经营”这就意味着充分发挥了画家的主观因素。自然状态的东西虽然也有远近、高低、繁简、疏密……的位置关系,但与经营了的位置——构图比,却大为逊色。构图之所以能胜自然状态一筹,就是因为这是经营了的。

这里简单说一个,比如说你画牡丹,尽量不要画半个花朵,意思就是说,如果你目测剩下的空间不够画一朵完整的牡丹,就不要画,半个牡丹在禁忌上称为“富贵不全”,有些讲究的人比较忌讳。
图片 9

书法是构图宝库

所以说你在画之前最好先了解一下相关的知识,不过重点还在于不懈的努力,加油!

书法的结字(间架、结体),可给予绘画构图以很有益的借鉴。从“法”(具体的)上讲,写字与画画确不一样,如果从“理”上看,二者则是相同的。我们不妨把书法的结字,看成是绘画构图的骨式图,因为在结字中包含着构图学的那些相反相成矛盾统一的关系。同是某一个字,既有真、草、隶、篆的不同,又有欧、虞、颜、柳、苏、黄、米、赵的差别,可以说是变化万端。书法真是一座可资绘画构图学借鉴的大宝库。

回答:

习惯画完再添上几笔

谢谢邀请。

我作画喜欢在画完后的成画上再加上几笔。这几笔会使画面的艺术性提高一大截子,甚至使整个画面立刻改观。古人有“细心收拾”一语,说的大概就是这种情况。最后加上的,看来也不过只是那么几笔,可这所付出的经营力量,却是很大很大的。这往往是在端详、琢磨很久之后下笔的。在这里你要拿出“学问(理智)”,别小看这几笔,在这里没有感情用事的位子。(孙其峰画语录)

首先你说的国画是个大的概念,你问得是工笔?写意?国画里边又分山水、花鸟、人物。

你这问题我觉得几句话说不清,笼统说一下。写意人物画兴起于宋代,也称为'减笔'水墨人物画。

花鸟里边又分写意、工笔、工兼写。画法上,花鸟画因对象较山水画具体而微,又比人物画丰富,所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的装饰意味,而写意花鸟画则笔墨更加简练,更具有程序性与不可更易性。

山水画,粗犷、豪放,以干笔、枯笔为其基调,使用层层积染之法,形成勾擦大胆、点面隐约、迹简意深、设色简略、墨彩交融、夸张巧拙鲜明风格,以体现生命的原初意义,给人以心灵上的震撼。

你说的怎么画?那就临摹吧,不论你指的是山水也罢,花鸟也罢,人物也罢。都从摹古开始,之前手不会画坏。后期跟老师,或者直接去靠谱的培训班,不论哪个都急不来。慢慢来吧。

顺便给你个名单,有兴趣可以先看看。

隋唐五代荆浩、关仝、董源、巨然、王维、李思训等;

北宋:李成、范宽、李公麟、米芾、郭熙、赵佶、张择端等;

南宋:李唐、刘松年、马远、夏圭等;

元:赵孟頫、黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等;

明:沈周、文征明、唐寅、仇英、董其昌等;

清:王时敏、王鉴、王翚、王原祁、吴历、八大山人、石涛、任伯年等

图片 10
图片 11
图片 12

回答:

国画看是是简单的浓墨淡彩,实则技法品种繁多,如我们常见到的国画有人物画(抱括仕女,神仙,)线描写意工笔等,花鸟画,山水画,草鱼虫画,动物画,花卉山石等各品种。

—个人精力有限,要想每个品种都学,决定你都不可能学好,所以建议选其中一个品种研究学习,学好,学精,你就能成为大师。如齐白石大师就是画鱼虫类高手,张大千大师就是画虎高手,刘文西大师是人物画高手。
图片 13

当你选中其中—个品种为奋斗目标后,建议去以这个品种的各种生态形状去写生,即以线条的形式把这类形体描绘出来,因为中国画是以线代面的画法,即白描画法,当你能准确用线条把这类物体的形描述清楚后,就可以试着在宣纸上,用毛笔,书画墨汁去润笔作国画了。
图片 14

作画的准备材料,宣纸,羊毛垫,书画专用毛笔,柳条炭铅,国画颜料,调色盘,清水,镇纸条(压条)。

把宣纸平辅在羊毛垫上,压上镇纸条,用柳条炭铅选勾出画的大体棱格,(柳条炭铅画的粗线,画好图后可用鸡毛刷刷掉)。再用毛笔勾出精细的棱格线,整幅图画好后,弹去柳条线。这时可用不同浓淡的墨色或国画色去宣染色彩,这样创作出的画可称为国画的工笔画。建议先学工笔画,因为工笔画可以煅练物体的造形,也可以磨练人的意志,是初学的必选。
图片 15

当你能随笔勾画出物体准确形态后可以直接在宣纸上用不同浓淡的墨色,以面代线的画法,去画物体的形态,然后去点画出细节,这种画法就是写意国画。
图片 16

我这里只是给你简单介绍,学任何画都有—个千锤百练的过程,非—日之功能学好。学国画和学西画一样,要练习练习再练习。更多绘画知识请点击关注。
图片 17

回答:

谢邀。当我接到邀请回答这个问题的时侯,看到已有十五位同仁已经给题主回复了各自的答案。其中不乏文化艺术大V、问答达人及书画专业人士,他们按各自的专业角度及水平髙度,给题主开出了林林总总的良丹妙药 ,从中国画的概念及分类开始,到纸墨笔砚及具体画法的步骤,可谓苦口婆心不辞劳苦,精神可佳!
图片 18

题主看着大家出主意想办法,肯定也是心生欢喜,激动万分!

不过,我要提醒题主的是:做为中国画,他是用手画出来的,虽然离不了理论指导,但更离不开老师的亲自示范(包括视频教学),否则是万万不可能画好中国画的。

说到这里,我要给题主提建议了:如果你立志画好国画,去拜一个有实力又搞培训的国画老师,跟他从零开始,学。基础打好了,然后一步一个脚印走下去,肯定能走出一条辉煌的国画之路。

另外,再给题主点一个醒:学国画先要从学书法开始。书画同源,书画双修,才能臻达中国画的高境界。
图片 19

我是晋风。愿与大家在书画艺术、诗词楹联等方面同学习,互交流,共进步!
图片 20

回答:

怎样画国画,首先要理解什么是国画,国画用什么方式来表现,了解国画的历史发展过程,了解国画的种类等。其次就是临摹,临摹就是临别人的好作品,揣摩用墨用色构图方式等。也可以进行写生,可以先从简单的画起,用线条画白描速写等。最后就是创作作品,创作要考虑作品的内容布局构图,处理好各种关系,如墨色关系,点面关系,疏密关系,开合关系等。书画同源,要画好国画,还要练书法,书法好,落款题字画面就相得益彰。浅谈拙见。

图片 21

图片 22图片 23

回答:

图片 24

谢谢悟空问答邀请!

国画是写意的,即使工笔画也不逼真,之所以说书画同源,愚以为就同在这写意。有人说笔法相通,愚以为太肤浅太实在。

聪明绝顶的歪果仁到二十世纪才懂得抽象、夸张与变形,他们一看中国画傻了眼:原来中国人早就会呀!

现代主义之前歪果仁是斤斤于形而下的逼真的,画得就像照片,纤毫毕现,就是高手;之前他们是科学思维近大远小讲比例讲明暗的。

中国人画张桌子,居然近小远大!中国人画画,居然阳光照耀之下没有阴影。

图片 25

图片 26

可是,毕加索对中国留学生说:美术在你们中国,你们到这里来学什么啊?我不去中国,因为中国有齐白石。

图片 27

歪果仁的现代派们拼命夸张啊,变形啊,抽象啊,立体主义啊,可是,在这方面永远干不过中国画!他们于这些东西,没有根基,他们有荷马史诗,他们没有陶渊明的诗,他们一直以来逻辑思维重于形象思维,一夸张变形就让人看出明确功利目的与主题。只有梵高与中国画最为接近。

逻辑思维实用,利于科学技术的发展,但于艺术格格不入,艺术就是要创造一个不逻辑的世界,以安慰自己的心灵,以延长自己的生命,以追求那虚无缥缈百无一用的美。

图片 28

中国画是直觉,是性灵,是主观感受,所以学国画可以不一定写生,不管画什么,你画出你的心情、个性、你对这个世界的第六感。

图片 29

但一定不要像歪果仁现代派一样做作、雕琢、故作惊诧,中国人中国画美在纯天然,没有一个大师可以超越天籁。所谓文学艺术,不过是对自然和事实稍稍动了一点手脚,以服从人性和本质,不是伪造。

图片 30

远大近小,儿童的目光啊,不科学啊,不真实啊,对,文学艺术就是儿童的目光啊,就是儿童的真实啊!

人类永远无法回到它的童年。

回答:

山水画首先要看着让人舒服愉悦,有好感。画是让人看的,让人欣赏的,看不懂的画不是不好,可能适合收藏,未必大众喜欢,画画,还是让人喜欢的好。

图片 31

马国立的山水画,一见便让人欢喜,大开大合,收放自如,没有造作,有喜庆在里面,有欢乐在其中,是大众喜闻乐见的那种,感觉到山林的包容和舒服,山水间所能概括的感悟都能从马国立的画中体现出来。能在家中卧游山野丛林,享受自然的风貌,是马国立山水画的最大特点。不独立于某一点,而是纵横驰骋,以山的伟岸立于笔墨之上,有谦谦君子之风,更有敢于担当之责。

著名山水画家马国立最新力作山水画《云岚飞瀑图》 作品来源:易从网

图片 32

山水画所能承载的也是某种责任,它时刻提醒着人们要有大的胸怀,大的格局,做任何事情要有长远的发展方向,站在高处,总要时刻不能忘记自己的职责和担当。人活一世,草木一春,没有哪个人来到这个世界碌碌无为的,都想做出点什么事来,那就要有山的气魄,有水的包容,才能在社会上做个有用的人。

马国立最新创作六尺横幅山水画作品《春山暖翠图》 作品来源:易从网

图片 33

马国立正是基于这样的思考,在几十年的创作中,逐步的不在一点一面上出击,而是以大手笔在大的格局中,画出山的气势和雄伟,浑厚和苍茫。让大众从画中读出每个人的感觉来,活的真实一些,不虚伪,不做作,以其努力来锻造自己的一生。

马国立最新力作八尺横幅山水画作品《云嶺飞瀑》 作品来源:易从网

图片 34

马国立笔下的山水,都是经过深思熟虑,才纵笔开画,希望每一幅画都是那么完美,那么的耐人寻味。他的山都是成熟的,都是经过磨练出来的。画中有山,山中有画,画在山中,水在画中,领悟到山山水水的灵气,净化自己的心灵。

著名山水画家马国立国画作品《云岚胜境图》 作品来源:易从网

图片 35

从山水画中读到自己内心所需要的,把孤独赶走,把寂寞赶走,让自己在这山水间得到片刻的安宁,也已经是很陶醉的了。

购买字画去哪里,易从网更专业的字画网站!

易从网,一家致力于传播中国传统书画文化,引领当代书画艺术品运用于装饰、送礼、收藏的专业字画商城。“让艺术走近大众,提升国民艺术水平”是我们的使命和追求。

多年来,易从网一直是国内有权威,有影响力的名家字画网站。易从网不仅全部作品都出自名家字画本人手笔,保证真品,手绘原稿,而且按艺术家的知名度,满足各个消费群体的需求。

回答:

谢谢你的提问。我是千千千里马。研究中国画是我最大的兴趣爱好。所以,我们一起说说画国画。

中国画是中国自己民族的绘画创造,具有鲜明的中国画特色,用纸和绘画工具,都有自己的特色,所以叫中国画。

中国画这个词儿,也来得很晚,因为好于油画和西方的各种绘画有一定区别,所以叫中国画。

中国画的画法,大体有两种。一种叫写意画。

写意画又有大写意和小写意两种。都要用中国画的纸生宣纸。

图片 36
这种纸非常特殊,墨汁画在纸上会有自然的渗化现象。画家会利用宣纸的特殊效果,画出很多人工也很难做到的效果。

大写意画,用笔粗狂和精细并用,艺术表现非常丰富。

这是目前做广泛的画法。具体方法是对绘画对象概括描绘,但不是非常具体。

比如画一枝竹子,不是用绿色的彩色,而是用墨画出来的。

竹子的竹竿和叶子,也不是一笔一笔描绘,而是大笔淋漓地画出竹竿竹节,再用写字一样的笔画画出竹叶,最后再把竹枝画出来与竹叶和竹竿相连。这样,很快一幅水墨竹子就画好了。

如果是油画,不但要把竹子画出来,还要画背景。

图片 37
中国画利用留白,给人以想象的空间,是不用画背景的。

中国画,除了把内容画出来,还要题诗,加印章。

除了写意画。中国画的最传统的绘画形式还有工笔画。

工笔画的绘画方法是,先把熟宣纸裱在画板上。然后画稿,画稿要用淡墨勾出。

完成墨稿以后,就开始勾勒轮廓。不如画竹子。竹竿、竹枝、竹叶,都要一一勾勒清楚。勾勒的时候完全用线描。而且要有层次感。

完成勾勒,开始着色。

工笔画的色彩要一次一次晕染上去。非常费功夫。

但是,工笔画的艺术效果比较丰富、真实,极有清新的诗情画意,装饰性很强。

图片 38
工笔画的背景一般也不设色。但是,也有设色的,设色是为了烘托描写的内容。

比如,把竹子的背景画出夜色来,意境会更多一些。

本文由韦德国际1946手机版发布于韦德娱乐1946网页版,转载请注明出处:怎样画国画,中国画的核心价值观到底是什么

关键词: